Détail du mois de juillet : un retour de chasse arrosé…

Le détail du mois de juin est extrait d’une nature morte au lièvre, sans doute réalisée par un suiveur de Claude François Desportes, peintre français du début du XVIIIe siècle. Le détail s’attarde sur l’arrière-plan où l’on trouve le roboratif en-cas d’un chasseur, constitué de vin rouge, de vin blanc, de saucisson, de pain et d’une large tranche de fromage.

Apparentée aux scène de cuisine et au motif du garde-manger, la nature morte de chasse est l’occasion d’une caractérisation sociale qui servent les intérêts princiers et aristocratiques, en renvoyant au privilège du droit de chasse. Ces natures mortes sont généralement de grand format et destinées à des palais, ou du moins des intérieurs spacieux.

Si le pain et le vin peuvent renvoyer à l’eucharistie, il s’agit ici de fêter plus prosaïquement la nourriture paysanne, acceptable dans le contexte d’un retour de chasse dans une arrière-cuisine, mais qui ne pourrait être présenté sur une table de château, où fromage et cochonnailles sont considérés comme trop rustre pour les estomacs délicats de la noblesse. Les mets transformés peuvent néanmoins avoir une signification spirituelle, car ils sont issus de l’élevage et de l’agriculture, travail obligé d’Adam après le péché originel alors qu’auparavant il lui suffisait de cueillir les fruits du paradis.

Vous pouvez découvrir cette peinture restaurée à l’occasion de l’exposition Instants suspendus, regards sur la nature morte, vous pourrez également participer aux ateliers photos pour découvrir ce genre autrement et composer votre propre nature-morte ! Attention, c’est sur réservation et les places sont limitées !

Lorent Deutsch au musée !

Dans le cadre de la valorisation de l’EuroVelo3 et des sites incontournables qui jalonnent son itinéraire, l’agence Aisne Tourisme a développé un partenariat avec le célèbre acteur et passionné d’histoire Lorent Deutsch, qui va produire une série de vidéos dans le Chaunois et la Thiérache. L’EuroVelo 3, également dénommée « Scandibérique », est une véloroute faisant partie d’un programme d’aménagement de voie cyclable à l’échelle européenne. Longue de 5 300 km, elle relie Trondheim, en Norvège, à Saint-Jacques-de-Compostelle. Passant à proximité de La Fère, elle fait de la ville une étape incontournable pour les cyclotouristes.

Les vidéos de Lorent Deutsch s’inscrivent dans la série « A toute Berzingue » disponible sur Youtube où Lorent Deutsch se livre à des visites survitaminées de villes et lieux historiques. Il est passé à La Fère pour y évoquer le riche passé militaire de la Ville et la Collection du musée Jeanne d’Aboville.

L’équipe du musée remercie chaleureusement Lorent Deustch, son cameraman et l’équipe de l’agence Aisne Tourisme pour leur enthousiasme et leur disponibilité.

 

Lecture théâtrale par la Compagnie Hymnalaya

Edit du 16 juin 2021 : les réservations sont complètes.

Lecture théâtrale autour de la nature morte par la Compagnie Hymnalaya, accompagnement musical de Robert Lamouret

Le 15 juin s’ouvre au public l’exposition Instants suspendus, regards sur la nature morte qui mettra en avant les œuvres parmi les plus célèbres du musée : les compositions ayant trait à la nourriture.
Pour inaugurer la découverte de l’exposition, les acteurs de la compagnie Hymnalaya vous proposent de les suivre dans une visite pas comme les autres : un dialogue entre les acteurs sera prétexte à rapprocher art pictural et poésie. Ils apporteront un regard sensible sur le thème de la nature morte en puisant dans le répertoire classique et contemporain. Ils seront accompagnés par le musicien Robert Lamouret qui viendra ponctuer de virgules musicales les textes des comédiens.

La compagnie Hymnalaya est une compagnie professionnelle constituée de deux acteurs : Lucie Geloen et Bernard Namura.
La symbolique hymnalayenne relève d’une volonté des artistes de conjuguer dans leurs créations des thèmes d’une grande actualité, d’un indéniable universalisme et d’une non-moins incontestable spiritualité, le tout dans une simplicité n’excluant pas la virtuosité et dans une multitude de contextes.

Robert Lamouret est musicien, il a été membre de groupes de musique folk, notamment Yakafolker, et travaille régulièrement sur des instruments anciens.

 

En bref : 

Visite théâtrale au musée Jeanne d’Aboville le 19 juin 2021.
Visite à 14h puis 16h, gratuit sur réservation uniquement, places limitées.
Le port du masque durant toute la durée de la visite est obligatoire.

Des tableaux de retour de restauration !

Aujourd’hui la restauratrice Florence Adam a ramené au musée deux tableaux confiés à ses soins : Le Calvaire, attribué à Peter Aertsen (Amsterdam, 1508-1575) et la nature morte Fruits et Fleurs de Nicolaes van Veerendael (Anvers, 1640 – 1691).

Le tableau raccroché en Salle des Primitifs après restauration

L’œuvre de Pieter Aertsen, surnommé Pierre le Long à cause de sa grande taille représente une Crucifixion. C’est un exemple plutôt rare de cet artiste car beaucoup de ses peintures ont disparu durant les Guerres de Religions. Ce tableau nécessitait une intervention car il fallait reprendre les restaurations anciennes qu’il a subi et le nettoyer. L’intervention a également permis de faire apparaître un détail, un crane e cheval caché sous un repeint. Le panneau a également fait l’objet d’une intervention de Juliette Mertens, restauratrice spécialisée dans le traitement des supports en bois.

Un détail disparu sous les repeints réapparaît.

Le deuxième tableau restauré témoigne de la dernière période de  de Nicolas Veerendael (1640-1691) artiste anversois spécialisé dans les peintures de vases floraux, où il complexifie sa composition autour d’une diagonale avec un jeu subtil d’effet miroir. Le tableau était victime de plusieurs problèmes de conservation : ayant fait l’objet de restaurations anciennes également, il a été rentoilé, c’est-à-dire que la toile d’origine a été doublée d’une seconde toile pour la renforcer. Le restaurateur spécialiste du support Emmanuel Joyerot est intervenu pour retirer cette seconde toile et la remplacer. Florence Adam a nettoyé la couche picturale et remplacé les repeints devenus discordants.

Cette toile sera prêtée dès le mois prochain au musée des Beaux-arts Antoine Lécuyer  pour l’exposition réalisée en partenariat entre les musées de Saint-Quentin et La Fère sur les natures mortes qui commencera à la mi-juin, bientôt d’autres informations suivront, restez connecté !

16 avril 1755, une portraitiste est née…

Le 16 avril 1755 naissait à Paris Louise-Élisabeth Vigée, fille de Louis Vigée, pastelliste, et promise à un grand avenir. Dès ses six ans, son talent précoce pour le dessin s’exprime : dans ses cahiers, sur les murs du couvent où elle reçoit son éducation. C’est à cette époque que Louis Vigée s’extasie un jour devant un dessin d’homme barbu de sa petite fille prodige. Il prophétise dès lors qu’elle sera peintre.

Louise Élisabeth Vigée Le Brun, Autoportrait de 1790 (Florence, Corridor de Vasari)

Après le décès de son père, Gabriel-François Doyen, ami de la famille encourage Elisabeth à persévérer dans le pastel et dans l’huile ; conseil qu’elle suivra et deviendra la plus grande portraitiste de son temps, souvent comparée à Quentin de La Tour ou Jean-Baptiste Greuze.

Son art et sa carrière exceptionnelle en font un témoin privilégié des bouleversements de la fin du XVIIIe siècle, de la Révolution Française et de la Restauration. Fervente royaliste, elle sera successivement peintre de la cour de France, de Marie-Antoinette et de Louis XVI, du Royaume de Naples, de la Cour de l’empereur de Vienne, de l’empereur de Russie et de la Restauration.

Le musée de La Fère possède un portrait réalisé par cette artiste, celui de Madame Adélaïde. Vous pouvez le retrouver sur youtube également.

Portrait de Madame Adélaide par Elisabeth Vigée-Lebrun

Des dix enfants de Louis XV, seulement deux ont survécu à la Révolution : ses filles Adélaïde et Victoire. Ce portrait d’Adelaïde (1732-1800) fut réalisé alors que celle-ci s’était exilée en Italie en 1791, rejoignant l’ancien palais de l’ambassadeur de France au Vatican.

Ce tableau à la fois sobre dans sa composition et rappelant des fastes royaux disparus par la finesse du rendu des étoffes témoigne de l’état d’esprit mélancolique qui devait sans doute habiter son modèle, qui mourra en exil quelques années plus tard à Trieste.

Élisabeth Vigée Le Brun meurt à Paris à son domicile de la rue Saint-Lazare le 30 mars 1842.

Joyeux anniversaire il Padovanino !

Il y a 433 ans, naissait à Padoue le petit Alessandro Varotari, connu plus tard sous son nom d’artiste Il Padovanino. Fils de l’architecte et peintre Dario Varotari l’Ancien, il fut l’élève de son père, qui s’occupa de la formation de Chiara Varotari (1584 – 1663), sa sœur elle aussi peintre. Il fut par la suite élève d’un disciple de Titien, Damiano Mazza, et les peintures de ses débuts montrent l’influence du Maitre vénitien.

En 1614, il emménage d’ailleurs à Venise, mais voyage également à Rome à deux reprises (vers le milieu de l’an 1610 et en 1625), où il a été souvent employé dans la production de copies de grands tableaux des artistes de la Renaissance classique. Son style influencé par le maniérisme tardif cherche néanmoins l’inspiration dans la gamme chromatique propre à la peinture vénitienne et annonce le baroque.

Portrait gravé d’Alessandro Varotari paru dans Het Gulden Cabinet de Cornelis de Bie (1662)

Le musée possède un joli exemple de la production de ce peintre : l’Allégorie de la Charité. Le sujet allégorique est ici rendu à l’essentiel par un cadrage très serré et une gamme de couleurs limitée. La figure féminine allaite un enfant en même temps qu’elle joue avec un autre, plus âgé et juché sur ses épaules. Loin des codes qui prévalent dans ce genre de scène, la Charité de Padovanino est une célébration prosaïque de l’amour filial, inspirée sans doute des exemples vus durant ses voyages, notamment à Rome. Il a traité à diverses reprises ce thème.

Il meurt à Venise en 1648, s’affirmant jusqu’au bout comme un continuateur du Titien.

L’œuvre est actuellement en dépôt à la Préfecture de l’Aisne.

Détail du mois d’avril : une armure et un mystérieux étendard flamand…

Le détail du mois d’avril provient d’un tableau intitulé Intérieur de corps de garde, signé François Duchâtel. Dit aussi François du Chastel (1616 / 1625-1679 / 1694), cet artiste flamand a travaillé à Bruxelles et peut-être aussi à Paris. Il est connu pour ses portraits et ses peintures de genre, avec une préférence pour les sujets paysans, les intérieurs de tavernes et les scènes de garde.
La scène du musée Jeanne d’Aboville dépeint une salle de garde, avec des soldats assis autour d’une table ronde jouant et fumant. Notre détail vous présente les pièces d’armure délaissées par les soldats trop occupés par le jeu. L’équipement représenté était déjà obsolète au moment où il est peint, car les armures métalliques de ce type, avec cuirasse et casque intégral ne sont plus utilisées à partir des années 1620. Il est possible que le peintre ait voulu insuffler une dimension moralisatrice à l’œuvre, l’armure faisant référence à la fugacité du pouvoir et de la renommée.
L’étendard de guerre, visible à l’arrière-plan, porte un motif proche de la croix de Bourgogne, qu’il faut rapprocher de certains pavillons marchands espagnols utilisés en Flandres.
Ce tableau est actuellement dans les réserves du musée et sera bientôt représenté quand celui-ci rouvrira ses portes !

L’école hollandaise du XVIIe siècle

Dans un intérieur rustique cinq élèves attendent la leçon de leur professeur assis à son pupitre. Alors qu’un enfant s’approche, le maître regarde par la fenêtre avec un air de lassitude, évoqué par sa position ramassée et sa tête posée négligemment sur sa main. Cette attitude s’oppose à la concentration du garçon blond à gauche de la composition, absorbé dans sa lecture. Une fillette portant un chien sur ses genoux se retourne et fixe l’observateur du tableau, prenant celui-ci à témoin du désintérêt de son professeur. Il s’agit d’une scène facétieuse destinée à distraire les spectateurs.

Ce tableau est l’œuvre de Harmen Hals (Haarlem, 1611 – Haarlem, 1669) l’aîné des fils de Frans Hals (Anvers, 1582/1583 – Haarlem, 1666) et de sa première épouse Anneke Harmensdr. Lui et quatre de ses demi-frères deviendront peintres après une formation dispensée par leur père. Le peintre a laissé une production majoritairement composée de tableaux représentant des scènes populaires.

Si quelques familles riches engagent des “pédagogues” pour diriger les études de leurs enfants, la plupart des bambins fréquentent les “petites écoles”. Les Pays-Bas ne possédaient aucun organisme central chargé d’administrer ou de contrôler l’enseignement, l’organisation des petites écoles, l’équivalent de nos écoles primaires et maternelles, était de l’initiative de particuliers ou d’associations privées qui agissaient avec l’approbation municipale. L’école à l’époque est souvent une annexe de l’église, et les écoles maternelles se trouve directement dans l’habitation de l’institutrice. Les écoles de village peuvent être installées dans des granges ou des étables, alors qu’en ville la population a accès à de véritables écoles avec des pupitres, des bancs, et du chauffage.

Dans les villes, des guildes de maîtres d’école se forment et exercent une surveillance sur le contenu des enseignements. Néanmoins beaucoup de parents se plaignent du faible niveau de ces maître d’école, un rapport de 1611 décrit des professeurs incapables de nommer correctement les lettres de l’alphabet ! Ce n’est qu’en 1665 qu’une ordonnance exigera des maîtres d’école une connaissance correcte de l’écriture et de la lecture. Malgré ses défauts, les petites écoles hollandaises vont permettre une large alphabétisation de la population, qui présente le meilleur taux d’Europe à cette époque.

Les écoles maternelles sont tenues par des femmes qui exerce d’autres profession en même temps telles que couturières ou dentellières. Cette école est fréquentée par des enfants de trois  à sept ans.   L’enseignement s’y limite généralement à l’apprentissage des prières et de l’alphabet.

Le programme de l’enseignement de l’école se réduit a l’histoire sainte, la lecture l’écriture et au calcul. L’arithmétique élémentaire à cause de son importance commerciale fait l’objet d’un soin particulier de la plupart des maîtres. L’écriture et en savoir prestigieux et la calligraphie un véritable art esthétique. La renommée des maîtres hollandais en la matière dépassera les frontières du pays.

 

Nous remercions Eléonore Dérisson pour sa contribution scientifique à cet article.

Campagne de numérisation au musée

Dans le cadre du projet MuséoSciences, l’association des Conservateurs des musées des Hauts-de-France a réalisé une campagne de numérisation au musée Jeanne d’Aboville. En l’espace de trois jours seulement, c’est plus d’une centaine de clichés d’œuvres, pour la plupart provenant des réserves, qui ont été réalisés !

La campagne a été menée par le photographe, Franck Boucourt. Ces reproductions HD vont être un outil précieux pour évaluer l’état de conservation des tableaux et les diffuser auprès du public, des historiens de l’art et des restaurateurs.

Les Hollandais au jardin

Le Printemps s’avance doucement et les jardins se réveillent ! Aujourd’hui on vous propose d’explorer le jardin des Hollandais du XVIIe siècle.

La Hollande est alors le pays le plus urbanisé d’Europe, les citadins gardent néanmoins l’habitude d’un petit carré de verdure situé à l’arrière de leur maison. Si certains artisans font de leur jardin une dépendance d’atelier ou un entrepôt, la plupart des bourgeois, même modestes, aménagent leur jardin, parfois en dépit de son exiguïté.
On y retrouve généralement une pelouse de gazon accompagnée de parterres fleuris. Quand les dimensions le permettent des arbres, comme le sureau ou le cytise, sont laissés à vocation ornementale. Des arbres fruitiers peuvent également être installés. Les grandes maisons ont à cœur d’avoir leur propre production de fruits on cultive surtout le pommier le poirier mais aussi le cerisier et le prunier.

Détail d’une nature morte de fruits, anonyme néerlandais, XVIIe siècle

On y ajoute des espèces rampantes comme les melons et les fraisiers. on installe également des palissades pour récolter les mûres et les framboises. Les plus riches vont avoir des serres de bois pour y faire croître des abricotiers, des pêchers et même de la vigne.
Si certains fruits n’arrive pas à maturité à cause du climat, on les garde à but d’observation scientifique : les amateurs ont accès à une vaste littérature de manuels botaniques comme l’Arboretum sacrum de Joan van der Meurs, paru en 3 volumes en 1643.
Les Néerlandais nourrissent une véritable passion pour les fleurs. On cultive notamment les roses, l’iris, les lys, la jacinthe et l’églantier. Les espèces sont présentées à la manière d’un panel scientifique, rigoureusement séparées dans des cases en planche de bois.
Jusque 1615, la reine des fleurs est la rose mais elle va voir le public se détourner d’elle pour lui préférer la tulipe. La tulipomanie atteint son paroxysme en 1636, avec une crise de spéculation sur les bulbes de cette fleur. Les plus recherchée est une variété appelée Semper augustus, visible au musée sur la vanité de Coenraet Roepel, dont le prix peut atteindre 5500 florin pièce ! L’effondrement du prix des bulbes par la suite causera de nombreuses ruines chez les spéculateurs : parmi ces victimes figurent le peintre Jan van Goyen.

Tulipe sur une vanité de Coenraet Roepel

Les jardins urbains, même dans les grandes maisons bourgeoises, restent relativement petits et les habitants sont dépendants des fleuristes et horticulteurs présents dans toutes les villes hollandaises pour se fournir en fleurs et plantes diverses. La bourgeoisie prend alors l’habitude dans la seconde moitié du siècle d’acheter un second jardin aux environs de la ville pour s’y rendre en famille sur les jours chômés de la belle saison.